Buenos Aires Negro es ese grupo emperrado en cantarle al lado “B” de la ciudad. Y en un mismo movimiento, también es ese grupo emperradísimo en mostrar el lado negado del tango, la mugre que fue su cuna pero que a lo largo del siglo quedó convertida en caricatura “for export”. Porque lo que muchos creen resolver cantando viejos tangos arrabaleros de la primera época, ellos lo canalizan de otra forma. Es que Baires Negro es de los poquísimos grupos que jamás le rindió pleitesía a interpretar tangos clásicos, haciéndose cargo de su historia personal y de la ciudad en que viven, permeables a otros lenguajes urbanos que la habitan, como el rock. Para que quede claro, dentro de un género nostálgico y cerrado como es el tango, Buenos Aires Negro fue un grupo totalmente lanzado hacia delante, como algo no negociable. Orgullosos, para encontrar un espacio propio, prefirieron desde su origen en 1997, las piñas del ascenso al aplauso conformista. Y después, en los duros años 2000 tuvieron en el IMPA, primer fábrica recuperada en la ciudad, un ciclo legendario llamado “Tango en zapatillas” que se hacía los viernes  y se difundió mas que nada de boca en boca.

Así, de a poco, fueron teniendo un público propio, seguidor y fiel, de esos que se hacen notar. De hecho, la Peña del Colorado rebosaba de gente, cuando Buenos Aires Negro irrumpió en el escenario “Mercedes Sosa”, abriendo con “Buenos Días, Buenos Aires”, una de las dos únicas canciones de la noche pertenecientes a su hasta ahora único disco “Turra Vida” editado en el 2003.

A partir de ahí, el show fue de las canciones aún inéditas. Todas en el camino de profundizar el estilo distintivo del grupo, quizás la diferencia sea un plus de poder adicional que las convierte en una experiencia mas intensa.  Y dentro de este denominador común de energía, están las mil variantes compositivas de su concepto artístico. Desde la instrumental “De Calcuta a Buenos Aires”, llena de climas, hasta el milongón “El arcángel Guillermo” que el Peche anunció con un “La muerte es una risa, loco”. O la hermosa “Ciudad de Piedra” (“…Una ciudad de piedra se olvidó de tu canto en la cornisa…”) hasta la poderosa “Guiso Carrero” que permite el lucimiento de los músicos y donde el peche se bajó del escenario para arengarlos, cual director de orquesta pero sacado. 

Después de esa descarga, se pasearon por la tierna y a la vez callejera “Te amé”, para después tajear la noche con el desgarrador grito de “…Julián!!” en un tema dedicado al poeta Julián Centeya. El tiro de gracia del show llegó con la crudeza de “Sol de Once” (…Hijos muertos que paren hijos muertos, y juegan a cogerse en la  plaza. Son los hijos perdidos, que pierden  a sus  hijos, y eran los ases, del mazo de Dios…).

Todos temas variados pero intensos, apoyados en una base musical sólida y exquisita pero, por sobre todas las cosas, apoyados en un cantor como el “Peche” Estevez, una de las pocas personas para las que todavía la expresión artística no es algo liviano.

Totalmente alejado de cierto cinismo bastante común en muchos artistas contemporáneos, para Estevez escribir y luego cantar lo escrito son momentos sagrados. Sagrados en un sentido fundamental: la honestidad con eso que se dice, el sentir en la carne eso que surgió de adentro y hacerse cargo de eso. Y encima, por el solo hecho de sentirlo, lograr durante la interpretación que el público se de cuenta de eso. No es poca cosa. El grupo solía anunciar sus shows con carteles callejeros que decían “Buenos Aires Negro, cuando el tango se pudre”. Si lo dicen ellos, es una muy buena noticia.